ひまわりフィンセント・ファン・ゴッホ

まず理解すべきこと

「向日葵」は作品群の名前です

ゴッホの「向日葵」について語るとき、私たちは通常ロンドンのナショナル・ギャラリー所蔵のバージョンを思い浮かべます:黄色い花瓶に活けられた十五本の花と、ほぼ同じ黄色の背景の前。しかしゴッホは一枚のキャンバスに描いたのではなく、一つのシリーズとして描きました。アルルで1888年8月に4点の構図を生み、翌1889年1月に3点の繰り返しを描いています。

つまりナショナル・ギャラリーにはアルル期のバージョンが7点あることになる。そのうち5点は現在、ロンドン、アムステルダム、ミュンヘン、フィラデルフィア、東京の美術館に所蔵されている。残る1点は個人コレクションに属し、数世代にわたって公開されていない。1921年に日本で取得されたバージョンは第二次世界大戦中に失われた。

このアルル期の連作を、1887年にパリで描かれたひまわりと区別する必要がある。それ以前の習作では、花は切られてテーブルに置かれ、時にしおれたり、種がつきかけていたりする。アルルでゴッホは構図を立ち上げ直す。ひまわりは花瓶に入り、色のある背景を得て、装飾的な計画の「パネル」となる。

《ひまわり》を理解するとは、孤立したアイコンから装飾として構想された集合へと移ること——キャンバス、色、意味のリズムである。

単なる幸福な花束を超えて

友情、感謝、生命の循環

ひまわりは、しばしば喜びの単純な象徴として提示される。色彩、プロヴァンスの太陽、ゴーギャンを待つ間のヴァン・ゴッホの熱意がこの解釈を正当化する。しかし花束には枯れた花も含まれており、花弁を剥ぎ取られ、すでに種へと姿を変えている。

ナショナル・ギャラリーは、この循環を、オランダ花卉画におけるvanitasの伝統に近づける。あらゆる花は内に時の移ろいを宿している。作品は単なる生命力を宣言するのではない。閉じたつぼみから乾いた頭花まで、ひまわりの全生涯を映し出し、終わりを新しい種の約束へと変える。

花はまたヴァン・ゴッホにとって個人的な価値も帯びるようになった。ゴーギャンはそれを評価していた。ヴィンセントはそれを自身の言語と結びつけ、1889年1月に「ある意味で」他の画家がそれぞれの花を持っているように、ヒマワリを自分の花として持っていると書き記している。モチーフは署名となり、すぐに認識できる色彩を求める画家の象徴となる。

最後に、1889年1月の連作は次の作品と対話を意図していた：La Berceuse、ゆりかごの紐を手にしたオーギュスティーヌ・ルーランの肖像。二つの花束の間に置かれたこの母の像は、慰め、感謝、そして連続性を喚起できる花々に囲まれていたとされる。ひまわりはしたがって決して固定した意味を形成しない。ゴーギャンへの歓迎、芸術的宣言、時間への瞑想、守護的装飾が共存しうる。